ARTE FIGURATIVO
Contrario al arte abstracto, en el arte figurativo el artista se basa en representar el mundo que lo rodea (personas, animales, objetos, naturaleza, entre otros) tal y como lo percibe convirtiendo sus obras en una ventana abierta al mundo.
A lo largo de la historia, se ha catalogado al arte figurativo como "poco creativo", debido a que la mayoría de artistas desarrollan sus obras con la exclusividad imitativa y con pocas o nulas transformaciones de la realidad visual, comparándolo constantemente con el arte abstracto que es más flexible y dinámico en este tema. Pero hay que resaltar que entre los artistas figurativos no todos son realistas; ya que, estos logran interpretar los objetos con algún tipo de modificaciones y/o alteraciones según sus criterios, plasmando sus sentimientos en cada una de sus obras.
Estilos Artísticos
- Barroco
- Realismo
- Fotorrealismo
- Hiperrealismo
- Impresionismo
- Expresionismo
ARTE POP
"Lo más hermoso de Tokio es McDonald's
Lo más hermoso de Estocolmo es McDonald's
Lo más hermoso de Florencia es McDonald's
Pekín y Moscú no tienen todavía nada hermoso"
Andy Warhol
Podemos definir al arte pop, como "el niño rebelde y juguetón de los movimientos artísticos". Es el movimiento que se desarrolla en los objetos e imágenes que algunos consideraban mundano y cotidiano, transformándolos en obras de arte con un alto valor estético, como un elemento crítico para la sociedad consumista y con la firme intención de venta. Antes del arte pop, nunca nadie se imaginó trabajar con imágenes que serían indignas para lo conocido como arte: Latas de sopa, bananos, gaseosas, figuras públicas, entre otros. Y a pesar de todas las críticas, que lo tildaban como un arte "rebuscado y sin sentido" el público se fascinó con este movimiento, ya que no había que ser un experto para entenderlo, divertirse con él e interpretarlo teniendo en cuenta su carácter crítico e irónico. No es coincidencial que el arte pop se haya originado en Estados Unidos, el país más consumista del mundo.
Estilos Artísticos
- Collage
- Fotomontaje
- Comics
ARTE CONCEPTUAL
"El concepto es más importante que el objeto artístico"
Marcel Duchamp.
Se le da una importancia trascendental a las ideas más allá que al fin último de la obra y al objeto.
Es un movimiento que busca salirse de los patrones establecidos del arte, que busca en el contexto social objetos o situaciones inusuales para representar y transmitirle a un público la esencia de su obra. Este movimiento surge en los años 60 como crítica al formalismo y crea mucha controversia entre los conocedores de arte ya que empiezan a cuestionarse si cualquier objeto cotidiano es susceptible de llamarse obra de arte.
Estilos Artísticos
- Body Art
- Land Art
- Fluxus
- Mail Art
ARTE ABSTRACTO
“En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, Wassily Kandinsky
Es un movimiento artístico difícil de comprender para el ojo inexperto de las personas comunes y a los que no ven más allá de las formas concretas
Maneja formas simbólicas no concretas que no necesitan ser obvias para el público; sino que el artista emplea por medio de colores, estructura, forma etc. un lenguaje visual con diversos significados, intentado expresar sus necesidades interiores y cuyo objetivo es dejar a un lado todas los objetos reconocibles para la persona (figurativo) buscando nuevas formas que no tengan que referenciarse con la cultura material. Es un movimiento que requiere la intuición y el análisis previo de la obra para buscar la esencia de esta
Estilos Artísticos
- Rayonismo
- Suprematismo
- Neoplasticismo
- Constructivismo
- Informalismo
IMPRESIONISMO
Es un movimiento de carácter pictórico, es decir, que encuentra su máxima expresión en la pintura, la cual reflejaba los temas cotidianos y la pintura del espacio abierto, teniendo como principio representar de manera espontánea los contornos y los reflejos de los objetos en sus diferentes condiciones de luz y penumbra.
El impresionismo se caracteriza por sus pinceladas rápidas y sueltas de color con las que se eliminaban los detalles minuciosos y predominaban las formas y colores logrando así una representación muy cercana a la realidad.
Los principios de aplicación de color apuntaban a la utilización de los colores primarios como el cyan, el amarillo y el magenta y los colores secundarios como el naranja, el violeta y el verde, algunos de sus exponentes aseguraban que utilizando los colores fuertes y contrastantes lograban representaciones de luz que daban realismo a sus obras.
RESEÑA HISTÓRICA
- Inicia en el siglo XIX
- Los conceptos de luz y color no surgen únicamente en el impresionismo, sino que ya se reconocían en pinturas del siglo XVI
- El término impresionista fue impuesto por el crítico Louis Leroy, al reprender la obra de Monet, Impresión: sol naciente; cuando critica el estilo que el artista había utilizado para desarrollar su pintura. En palabras textuales de Leroy: ¡Impresión!, desde luego produce impresión.
- El 15 de abril de 1874 se realiza por primera vez una exposición impresionista con el nombre de “Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores” con la participación de artistas como Monet, Pisarro, Renoir, Sisley, entre otros.
- El Siglo XIX representa una época de duras críticas y burlas al impresionismo donde el público es reacio a aceptar este nuevo estilo artístico. Su época de reconocimiento se distingue en el siglo XX.
CLAUDE MONET
Pintor francés impresionista, considerado por algunos como el padre del impresionismo (Siempre se mantuvo fiel a esta corriente). Se tiene conocimiento de cerca de tres mil cuadros desarrollados a lo largo de toda su vida, teniendo entre sus temas preferidos los paisajes, las escenas de lluvia, la cultura y el arte japonés. Los principales objetivos en cada una de sus pinturas era plasmar adecuadamente la luz, el color y la forma. Tiene una gran habilidad de interpretar el reflejo de la luz en casi cualquier objeto, desarrollando pinturas llenas de vida que se han llegado a denominar “Sinfonías Cromáticas”.
PIERRE-AUGUST RENOIR
Se le ha catalogado como el representante impresionista más sensual por los temas que abordan sus obras: Flores, escenas tiernas de niños y mujeres, obsesionándose con el desnudo femenino, manejando formas gruesas y colores vibrantes. Sus inicios se remontan como pintor de porcelana china en una tienda en París. Pasando a hacer parte del estudio de Gleyre, donde empezó a relacionarse con artistas impresionistas como Monet y Sisley. Las obras de Renoir se caracterizan por la paleta de colores vibrante y luminosa y por la alegría de vivir en los personajes que utiliza, que siempre están en un contexto agradable divirtiéndose entre ellos.
SIMBOLISMO
Intenta plasmar los sentimientos de varias maneras, buscando el camino necesario para llegarle a sus sentidos, para que entiendan el mensaje que quiere dar, rodeándolo de misticidad, ya que, era una ilusión o realidad basados en la vida y el sueño, conservando sus delicados trazos, con tonos puros para provocar en los espectadores las sensaciones que querían transmitir, gracias a los sentidos.
Rechaza totalmente el arte abstracto, ya que este tiende a prestar toda la atención en la obra como una cosa en sí, y lo reconocen como un completo proceso artístico.
Características del movimiento
- Color: a veces se utilizaban colores fuertes para resaltar el sentido soñador de lo sobrenatural. Del mismo modo el uso de colores pasteles, por parte de algunos artistas, junto con la difuminación del color.
- Temática: La pintura se propone como medio de expresión del estado de ánimo, de las emociones y de las ideas del individuo, a través del símbolo o de la idea.
- Técnicas: Cada símbolo tiene una concreción propia en la aportación subjetiva del espectador y del pintor. No hay una lectura única, sino que cada obra puede remitir cosas distintas a cada individuo. Su originalidad, pues, no estriba en la técnica, sino en el contenido.
- Sus inicios son a finales del siglo XIX, en Francia y Bélgica.
- Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva», puesto para los simbolistas el mundo no debe limitarse a una apariencia totalmente concreta y racional.
- Es un misterio por resolver mediante los mensajes ocultos, llenan de unión, interrelación los sentidos humanos.
- La estética del simbolismo se desarrolla por Stephane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870.
- El movimiento atrajo a jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas, definiéndolo como un movimiento oscuro y enigmático, debido a su uso exagerado de metáforas que buscaban despertar las afinidades ocultas por medio de la sinestesia.
GUSTAV KLIMT
Klimt adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo convencional, dándole forma con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices provocativos. La mayoría de sus cuadros están cargados de un sentido lírico-decorativo y retratan a mujeres fatales, jóvenes, pelirrojas y sensuales.
Estilísticamente, los paisajes realizados en aquella temporada se caracterizaban por el mismo refinado diseño ornamental y por un enfático uso de motivos compositivos, como también el uso de colores vivos, decoración que se basaba en los dorados, al igual que las formas fálicas que indicarían el carácter de las obras en que se inspiraban.
Sus obras más representativas: El beso, El friso de Beethoven, Palas Atenea, Judith I, Las tres edades de la mujer, Nuda Veritas y Dánae. 
ODILON REDON
(Nació el 20 de Abril de 1840 en Burdeos y muere el 6 de Julio de 1916)
Considerado un pintor postimpresionista, dentro de la corriente del simbolismo, convirtiéndose en el más puro de los simbolistas, aunque también se le considera como uno de los primeros precursores del surrealismo. Representa lo mágico, visionario y fabuloso.
En 1884 fue uno de los fundadores del Salón de artistas independientes, para poder exponer con libertad, separadamente del Salón oficial de París.
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
FRANCASTEL, Pierre. 1988. La realidad figurativa. Paidós
LUCIE-SMITH, Edward. 1991. El arte simbolista. Ediciones Destino
HONNEF, Klaus. Andy Warhol 1928-1987: el arte como negocio. Benedikt Taschen
LUCIE-SMITH, Edward. 1995. Movimientos artísticos desde 1945: temas y conceptos. Destino
2006. Andy Warhol giant size. Phaidon press
http://www.arteespana.com/artepop.htm
http://www.indesignlive.com/articles/in-review/ron-muecks-gentle-giants
http://www.artelista.com/arte-abstracto.html
http://flups.net/arte-f5/arte-inquietante-iii-momentos-criticos-del-arte-t2019642.html
